Estación de servicio Oliva, Valencia, 1960. Juan Haro Piñar
El papel que tuvo la fotografía en la arquitectura moderna en España entre los años 1925 y 1965 ha sido la protagonista de esta muestra que, englobada dentro del programa oficial del festival PhotoEspaña 2014, por el arquitecto y fotógrafo Iñaki Bergera, ha reunido más de 250 imágenes tomadas por cerca de 40 fotógrafos durante cuatro décadas. Una reflexión en torno a cómo la fotografía plasmó y contribuyó a difundir la imagen de la arquitectura española del Movimiento Moderno, en una exposición que no ha tratado de crear un álbum de las mejores fotografías sobre la historia de la arquitectura moderna en España y sus proyectos más relevantes, sino que, según palabras de su propio comisario, “ha garantizado una representatividad de esta diversidad cronológica de tipologías, episodios, arquitectos y fotógrafos, un puzzle de puzzles que compone una nueva y poliédrica imagen de imágenes”.
Cine Barceló, Madrid, 1930. Luis Gutiérrez Soto
Casa Rozes, Rosas (Gerona),1962. José Antonio Cordech y Manuel Valls
Procedentes de un gran número de instituciones públicas y privadas, y firmadas por fotógrafos de la talla de Català-Roca, Pando, Kindel, Paco Gómez, Schommer, Muller, Férriz, Luis Lladó o Margaret Michaelis, entre otros, las imágenes documentan las arquitecturas más destacadas de la modernidad -y otras menos conocidas- llevadas a cabo por arquitectos como José Manuel Aizpúrua, Josep Lluís Sert, Alejandro de la Sota, Miguel Fisac, José Antonio Coderch, Francisco Javier Sáenz de Oiza, Javier Carvajal o Fernando Higueras.
La exposición ha sido el resultado del trabajo colectivo desarrollado por el proyecto de investigación FAME, dirigido por Bergara y del que la Fundación ICO es Entidad Promotora Observadora. Creado desde la Universidad de Zaragoza, en él trabajan más de 15 investigadores de diferentes universidades españolas.
Urbanización Ciudad Blanca, Alcudia (Mallorca), 1964. Francisco Javier Sáenz de Oiza
Viviendas en El Batán, Madrid, 1961. Francisco Javier Sáenz de Oiza, José Luis Romany, Manuel Sierra
A pesar de que fue tomada hace 43 años por el fotógrafo Nick Ut, es difícil encontrar a alguien que no conozca o haya visto alguna vez la fotografía que aquí adjunto. Se trata de Kim Phuc, la niña vietnamita que sobrevivió a los bombardeos de napalm del ejército norteamericano durante la cruenta guerra que se libró en el país asiático.
Existen muchos medios informáticos en los que nos comunican cómo fue esos momentos y cómo afrontaron las circunstancias que se les presentaban,
Ambos relataron esta historia, digna de ser recordada eternamente: "Nos escondimos en un templo, porque pensamos que al ser sagrado era seguro. Permanecimos allí tres días, hasta que cayeron los marcadores de color desde los aviones. Los soldados de Vietnam del Sur nos dijeron entonces que debíamos abandonar a toda prisa el lugar, así que salimos corriendo. Fue muy aterrador. Para entonces los aviones ya estaban llegando. Vi como caían las cuatro bombas y escuche el ruido. De pronto vi llamas a mi alrededor y el fuego ya sobre mis brazos. Usé mis manos para frotarme y por eso me quemé también y el fuego destruyó toda mi ropa, por eso estaba desnuda. Estoy tan agradecida de que mis pies no se quemaran para poder huir del fuego... " -relata Phuc, que aún tiene quemaduras en el 65% de su cuerpo, que le "siguen doliendo".
Nick Ut, el periodista que tomó la celebérrima fotografía, para que explicara como vivió el momento del bombardeo: "Pensé que no había sobrevivido nadie, pero luego vi a gente corriendo transportando heridos y muertos. Algunos de ellos, niños. Y entonces empecé a hacer fotos. Vi en el objetivo de la cámara a la niña desnuda y quemada. Solté el equipo y la cámara y corrí a ayudarle y echare agua. Pensé que iba a morir en minutos, así que la metí en mi coche. Allí no había medicinas ni hospitales, así que había que llevarla hasta Saigon, pero allí tampoco querían ayudarme. Así que les mostré mi pase de prensa y les dije que si se moría iba a ponerlo en todas las portadas" -narraba el reportero, mientras colocaba su brazo sobre el hombro de Phuc, que considera al 'tío Ut' como un miembro más de su familia.
Aquel 8 de junio de 1972, el mismo Nick Ut tomara de ella desnuda y abrasada por la gasolina en una carretera entre Vietnam y Camboya. Aquel click, 'El grito' de Munch de la fotografía, se publicó en portadas de todo el mundo y mostró las consecuencias de la guerra sobre la población civil. Después de poner en duda su autenticidad, el presidente Richard Nixon dio la orden de retirada y Ut ganó el Pulitzer. La cámara fue más fuerte que la espada.
'El grito' de Munch de la fotografía se publicó en portadas de todo el mundo y ayudó a terminar con la guerra de Vietnam.
Los protagonistas de las fotos icónicas no suelen mantener relación personal con sus fotógrafos. Ni Jeff Widener sabe quién es el hombre del tanque en la plaza de Tiananmen, ni Robert Capa conoció nunca el nombre de su miliciano caído en la Guerra Civil española, ni Kevin Carter averiguó si era un niño o una niña lo que tenía entre él y un buitre africano en Sudán. En cambio, Nick Ut unió su destino a Kim Phuc en el momento en el que la vio correr a su lado, sin saber si había hecho la foto o no. "Cuando la vi pasar a mi lado, con la piel de la espalda quemada, dejé mi cámara y le vertí mi cantimplora sobre las heridas.
Resumiendo la clase de historia de la fotografía de ayer en Cultura del Diseño, mencionamos al creador de la agencia Magnum (Henry Cartier Bresson)
ROBERT CAPA
Endre Ernő Friedmann fue un famoso corresponsal gráfico de guerra y fotoperiodista húngaro del siglo XX. Fue pareja sentimental de la fotógrafa Gerda Taro y juntos fotografiaban con el pseudónimo "Robert Capa" siendo difícil saber qué fotos son de cada uno.
El 3 de diciembre de 1938, Picture Post presentó "El fotógrafo más grande de la guerra en el mundo: Robert Capa", con una extensión de 26 fotografías tomadas durante la Guerra Civil española en la batalla de Ebro.
El "más grande fotógrafo de guerra" odiaba la guerra.
Conoció a muchos artistas, entre ellos Picasso y Hemingway, y comenzó la amistad con los compañeros que sería esencial en la creación de Magnum, como David "Chim" Seymour y Henri Cartier-Bresson.
Emigró a Nueva York en 1939 despues de la muerte de su mujer. Desde 1939 hasta 1945 fotografió la Segunda Guerra Mundial (la más famosa el desembarco de las tropas estadounidenses en la playa de Omaha, la Liberación de París y la batalla de las Ardenas) como El alma y corresponsal de Collier en Europa.
En 1947 fundó Magnum Photos, junto con Henri Cartier-Bresson, David Seymour, George Rodger y William Vandivert. El próximo año Capa viajó a Rusia con John Steinbeck, y desde 1948 hasta 1.950 a Israel con Irwin Shaw, completando la primera de una serie de historias de vacaciones. En 1951 se convirtió en presidente de Magnum e inició varios proyectos en grupo que implican todos sus colegas.
Robert Capa murió el 25 de mayo de 1954, en Tailandia y Binh, Indochina, al pisar una mina terrestre mientras fotografiaba para la Vida. Terminando su vida profesional, guiada por una frase que popularizó:
"Si tus fotos no son lo suficientemente buenas, es que no te has acercado lo suficiente."
A continuación dejo sus fotografías para que las disfruten:
Esta imagen resume la visita a Pamplona que realizó la escuela para visitar los edificios mas característicos de Pamplona. Con esta imagen de los edificios de Pamplona, caracterizados por su forma simple, se pueden apreciar claramente todos aquellos edificios proyectados por arquitectos reconocidos que nombraré a continuación.
Los alumnos de la escuela de Arquitectura de Pamplona salen a dibujar estos edificios ya que son tan simples en cuanto a la forma, se hace fácil estudiarlos.
Se trata del proyecto más importante en términos cuantitativos y cualitativos que va a ejecutar el Gobierno de Navarra en la historia reciente. El proyecto alberga salas de distinto tamaño (1.600 personas / 600 personas / y 4 de 300 personas) así como un área de exposiciones de 5.000 m2 y áreas de restauración con una superficie pública total de 1.500 m2. Igualmente áreas de servicio (almacenes, etc…), así como zonas de oficina. Contiene 38.000 m2
La solución, consciente de la enorme importancia del lugar elegido para su ubicación, lugar de transición situado en el mismo centro histórico de la ciudad y limítrofe con la magnífica ciudadela renacentista, basa precisamente su configuración en la voluntad que toda dotación de esta envergadura ha de tener en cuanto que pieza de enormes capacidades conformadoras de la ciudad. Renuncia pues a una visión arquitectónica autónoma, y plantea una pieza cuyo principal valor es la integración en una idea ambiciosa en términos de escala urbana.
3. Civican Pamplona – Manuel Blasco, Patxi Garraus, Felipe Gaztelu y Francisco Javier Tellechea, 2003
El edificio de Fundación Caja Navarra quiere sugerir con su volumen el encuentro entre personas para difundir actividades diversas. Primer centro cívico de la ciudad de Pamplona, el principal reto fue el diseño de un edificio sin tener claras el uso que se iba a dar a priori a cada uno de los espacios.
Su concepción de masa escultórica necesita que estos usos no se perciban desde el exterior. Lo que se observa es un conjunto de bloques que se convierten en una referencia al paisaje gracias a la incorporación de los relieves de Salaberri. Sin embargo, en el interior se inunda de luz, llenando de color los espacios. Iturralde y Sagüés ha participado en el diseño y dirección de obra de las instalaciones, de este edificio de los arquitectos Manuel Blasco, Patxi Garraus, Felipe Gaztelu y Francisco Javier Tellechea. Más información:
4. Centro de Salud de San Juan, Patxi Mangado y Alfonso Alzugaray, 1990
PROYECTO DE CONCURSO: 1º PREMIO
PREMIOS F.A.D. 2001: Finalista
Este edificio contiene una importante dotación pública para un barrio populoso y consolidado de Pamplona. Contradictoriamente, se localiza en un residuo urbano en forma de "L", con unas condiciones de aprovechamiento muy estrictas, que no es sino la trasera de un bloque de viviendas en altura inmerso en un futuro espacio peatonal pendiente de urbanizarse.
El proyecto reflexiona sobre la propuesta formal que ha de ofrecerse para que el resultado adquiera dimensión pública y significación propia en un entorno de estas características y contribuya, simultáneamente, a la recuperación del contexto urbano de la zona. Tratando de evitar la confrontación de escalas con sus vecinos, el edificio de hace hermético y abstracto en su configuración formal y también en el uso de los materiales que lo construyen.
7. Torre de Erroz – Fernando Redón Huici y Javier Guibert, 1964
Es un edificio que contrasta de modo llamativo con la obra casi simultánea que Redón y Guibert estaban construyendo en el otro extremo de ese parque de Pamplona, al borde de la Ciudadela, y conocida como las Torres de Huarte. Si aquella se definía porque explotaba al máximo la repetición, el módulo, la continuidad de las superficies y la rotundidad volumétrica, en este caso, la clave de diseño que condujo a los arquitectos a la solución construida es la de la irregularidad. La planta, en forma de mariposa, es el resultado del deseo de lograr una buena iluminación para todas las habitaciones de las viviendas. Se percibe una cierta influencia de José Antonio Coderch, sobre todo en la disposición oblicua de las habitaciones para favorecer dicha iluminación. La búsqueda de buenas orientaciones para las habitaciones de todas las viviendas y la necesidad preservar el asoleo de los bloques colindantes fueron factores determinantes del diseño que los arquitectos supieron explotar. Este último aspecto determinó la progresiva disminución de la superficie ocupada en planta, que se tradujo en una mayor altura del edificio llega a tener 16 plantas y en un retranqueo en vertical que dio lugar a una silueta característica del edificio. La combinación de volúmenes resultante está realizada con maestría y soltura. Por otra parte, la variación de la superficie en altura obligó a estudiar una gran diversidad de soluciones para la distribución de las viviendas - hay hasta 10 distintas . La Torre de Erroz está situada muy cerca de algunas de las arterias fundamentales del tráfico rodado de la ciudad, en el borde del parque de la Taconera, de entre cuyos árboles parece surgir como si de una formación rocosa se tratase. Sin lugar a dudas, ha llegado a ser uno de los hitos urbanos de Pamplona.
14. Polideportivo de la Universidad de Navarra – AH Asociados, 1994
Frente a un planteamiento urbano previo que apoyaba la dispersión del programa deportivo en volúmenes aislados de muy difícil control, se ha tratado de preservar el carácter singular del Campus Universitario como un gran parque dotacional en el que se otorga el protagonismo al espacio libre cubierto de árboles donde se recortan los edificios.
La idea de condensar los nuevos usos en una pieza unitaria que se excava en la pendiente, se apoya en un desplazamiento en altura sobre la ladera para evitar invadir el entorno próximo al polideportivo existente.
El nuevo edificio de pistas cubiertas -polideportivo, pistas de tenis y frontón- se empotra en el monte y actúa como fondo edificado de los nuevos espacios deportivos, que se ordenan en terrazas. Se aprovecha el corte en la ladera para apoyar una gran estructura asimétrica orientada hacia la luz uniforme del Norte.
El nuevo frente construido se abre hacia el Campus, que se dibuja con una nueva perspectiva elevada sobre la vaguada y el arbolado, evitando la competencia con otras edificaciones, al tiempo que impide la creación de las inevitables zonas muertas de los frontones y polideportivos cerrados, mientras genera un importante espacio central de parque en continuidad con el ya existente.
Las diferentes anchuras y alturas de los recintos deportivos se absorben mediante cortes diferenciados en la ladera, cuyo talud natural –tratado mediante un gunitado de hormigón– constituye el fondo de las canchas de juego. Sobre esta operación de movimiento y contención se eleva una estructura de pilares y vigas pretensadas de gran luz que cubren el espacio a distancias de seis metros. Los veintiséis vanos quedan cerrados en su parte superior por una cubierta de placas prefabricadas en la que se crean líneas de lucernarios que aseguran la iluminación uniforme de las pistas, cuyo fondo rústico se opone a la reticulada estructura de fachada y al frente continuo de “u-glass”. En el exterior, un vuelo de hormigón contrapesado protege el camino de acceso y ayuda a definir un orden doble que distingue entre el plano tenso de vidrio traslúcido y la malla transparente del plano sombreado de acceso. http://www.ahasociados.com/default/documentos/143_1-.pdf
Muchas veces habremos oído hablar de esta novedad, "Los Drones", un vehículo aéreo no tripulado, usado la mayoría de las veces para uso civil, también son usados en aplicaciones militares, etc.
Descubrí este vídeo que tanto me impactó y decidí escribir este post para compartir esta información tan curiosa para preguntarse; ¿hasta donde va a llegar la tecnología y la ciencia?
Exploran las posibilidades futuras con aviones no tripulados y desarrollan la tecnología de estos Dromes. Uno de sus desarrollos recientes es la Ambulancia-Drone, una red de aviones no tripulados de alta velocidad que ofrece suministros de emergencia a cualquier lugar en cuestión de minutos.
Drome Ambulance, es el proyecto del joven diseñador Alec Momont que ha desarrollado un sistema completo que ofrece algo más que el producto. A través de la integración de una aplicación en el diseño, se crea un servicio que puede ayudar a la gente de forma rápida y ubicación. El comité señala que este servicio se encuentra todavía en la fase de prototipo y tiene un largo camino por recorrer. Es la intención del proyecto que es la más apreciada. El comité espera que gran aplicabilidad en otros sectores.
"Me esfuerzo por mejorar la salud global, para optimizar el viaje de la vida para las personas. A través del diseño, mi objetivo es resolver los problemas de las personas y mejorar su calidad de vida en general." (Cita de su pag. web)
Este genio, también tiene otros proyectos de diferentes casos en los que diseña el Biocoachun metodo para la rápida recuperación. Una manera eficaz para apoyar a los ancianos en su rehabilitación.
Esta imagen representa la moneda oficial de 19 países de la Unión Europea, el Euro(€), si nos ponemos a analizar esta serie de billetes podemos fijarnos que están repartidos entre ellos los diferentes estilos de arte que tenemos hasta día de hoy.
Me apetece compartir estos mosaicos tan característicos, que después de ver el vídeo pude entender mi gran admiración hacia ellos, y los grandes artesanales que requieren de paciencia y mucho trabajo.
Así se crea un mosaico pieza a pieza. Un trabajo artesanal impresionante.
La técnica es Zellige y la zona donde más se trabaja dicha técnica es Fez (Marruecos). Este es un trabajo admirable artesanal, hecho por manos expertas con herramienta común y es muy laborioso. Y permite el diseño de inmensas combinaciones de texturas y colores increíbles.
«zellige» (en árabe: زليج, significa pequeña piedra pulida) es un tipo de mosaico ornamental a base de trozos de azulejos de colores, llamados teselas. En su definición morfológica: ladrillo de terracota dispuesto en pequeñas placas geométricas esmaltadas.
Es una maravilla de mosaico o pequeños azulejos esmaltados, que sirven para la decoración de monumentos o interiores. En suelos, mesas, escaleras y paredes por todo el país, visten la arquitectura marroquí, tanto en la cultura árabe como la bereber, tanto en las grandes obras arquitectónicas, sagradas y monumentales, como en modestas casas del ciudadano de a pie o mesas de muchos establecimientos.
Las formas de los dibujos suelen ser bastantes comunes: cuadrados, octágonos…sólo se representan dibujos abstractos y geométricos. Aunque la combinación es infinita. Su producción, hoy en dia, continua siendo artesanal por lo que es todo un arte ver crear y colocar las piezas dandole forma y color.
Apareció en el siglo X en Marruecos, influenciado, quizás, por el mosaico romano. Primero, en tonos blanco y marron, hasta que en el siglo XIV se empezó a usar el azul, verde y amarillo,y el rojo se introdujo a partir del siglo XVII.
Su aspecto puede ser comparado al «trencadís» catalán, un mismo material pero diferente técnica de empleo, ya que el trencadís son trozos uniformes y de formas infinitamente diferentes que pegados unos con otros da lugar a la textura. Son términos diferentes, pero en su acabado se puede dar lugar a un aspecto similar, aunque las cerámicas de la técnica Zellige son mucho mas geométricas y formales, que las Trencadís.
Estos trencadís con muy comunes en las zonas costeras del mediterráneo, ya que esos mosaicos de trozos de cerámicas pequeñas marcan ese ambiente marino.
Es muy característico en la arquitectura marroquí y en general en todo el norte de África, y se utiliza también como composición decorativa en estanques, fuentes o mesas de mosaico.
Otra de sus gran obras es realizar objetos de decoración que ambientan el espacio, como las lamparas. Aconsejo ver el vídeo, se ve claramente la manera de trabajar, la capacidad de perfección, concentración que tienen que mantener durante el proceso es inmensa.
Hay que agradecer que esta técnica todavía no se haya perdido y que se siga revalorizando su gran trabajo.
A pesar de su coste, que lógicamente no esta en comparación el trabajo repetitivo de una maquina a el trabajo de estos artesanos con sus propias manos, se debería seguir utilizando estos tipos de diferentes diseños en las decoraciones de interiores en las cuales refleja los diferentes ambientes que te pueden sugerir.
Crea lugares maravillosos, como podemos encontrar en Marruecos, estas
